もっとも、彼女がこうした決断を下したのは確かな思案があってのことだし、実際、ライナーノーツに「この9曲をもってして わたしはひとへのまなざしとあこがれを素直に打ち明けます」と綴られている通り、『はためきのしくみ』にも己の魂を開陳し、世の中と接触する姿勢がパッケージングされている。例えば、ゆうさりがふっと息を吸い込んで始まったオープニングナンバー「ゆうづつ」でいきなり発生するフィードバックノイズは、堪えきれなくなった突発的な感情の隆起を示唆しているよう。7曲目に披露された「袖」の僅かにたどたどしいギターフレーズだって、心と身体の不和を描出しているみたいだ。更には、「幽霊」の促音や、エクスクラメーションマークが浮かび上がってきそうな勢い任せの語尾処理も、「汽水」の指先で割れ物をなぞるがごとき穏やかなストロークも、ゆうさりの緊張や不安や慈しみを体現するものにほかならない。小さな喉の震えで今にもはち切れそうな祈りを歌い、心の慟哭のままにギターを掻きむしる。誰かに深層を覗いてもらう日を待つのではなく、まずは己から一歩寄り添ってみるような能動的な働きかけが溢れている。

ただ、元来彼女は、無垢な感情をそのまま差し出すソングライティングを立脚点としてきたわけではない。むしろ、8曲目に演奏された「月」がそうであるように、断片的なビートをつなぎ合わせたパッチワーク的なリズムメイクや、ひらがなを用いた丸っこい世界を映し出す語彙が、ゆうさりの中心に鎮座していただろう。市井に対する何とも言えない異物感を整理する中で生まれた、一見難解な歌こそがゆうさりのアイデンティティだった。にもかかわらず、ゆうさりは殊更に、赤裸々で素直な楽曲を歌い紡ぐようになったのだ。

「新川莉子として初めての合奏です」と、共演した幽体コミュニケーションズを招き入れて最後に鳴らした「2019」は、その変化の理由を教えてくれた。ここで何よりも肝要なのは、新川莉子としての第一歩を、弾き語りでも、バンド形式でもなく、アルバムに参加してもらった友人たちと一緒に踏み出した事実ではないか。「友達を作るために音楽を始めたわけじゃないけど、ゆうさりみたいな人と会うために音楽をやってた、って言っても良いんじゃないかと思います」（paya／Gt. Vo.）と、愛情を注いでくれる盟友に出会えたことではないのか。ゆうさりにとっても、「幽コミは決して他人とは思えない」と断言できるほどの存在と巡り会えた意味は大きかった。あえて一言で言うならば、ゆうさりは独りではないと知ったのである。ゆうさりという名前で自分を飾り付けなくとも、この世のどこかに居場所を見出し始めたのである。「本当に言いたいことは音楽の中に……あるとは限らないけど。笑 でも、つくったものの中にあるはずなので。確かめてほしい」。笑い混じりでこう話せるほど、彼女は「音楽を届けたい」「この音楽が届いてほしい」と思えるようになったのだ。だからこそ、「2019」の最中、幽体コミュニケーションズの3人と目線を交わす新川の表情は、どこまでも眩しく、晴れやかだった。そして、その目線は、確かに私たちにも向けられていた。ゆうさりという名前と地続きの、新川莉子としての歩み。視界に映る人と風景を一つひとつ掬い上げる旅路が、今始まったのである。

（写真提供：清水花菜 @room0703_ ）

【INFORMATION】

新川莉子

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linktree：
https://linktr.ee/yuusarimusic

遠い存在であるロックスターと、ちょっと難しいロックの歴史。

『安藤家のOne plate Rock ‘n’ Roll Kitchen』は、ロックスターと音楽史を「食」というキーワードで結ぶ、自由気ままなコラムです。

スターの大好物を作ったり、その土地のものを食べてみたり。料理はいつも適当で、何もかもが目分量。食材も代用品ばっかりです。だからホンモノの味にはなれませんが、おいしさはそれなりのはず。

音楽は何も知らなくても楽しめるけれど、知識があればもっと楽しいもの。

そのアーティストが食べていたものを食べれば、ひとりのアーティスト、ひとつのジャンル、ひとつの楽曲にに込められた想いと願い、そしてスターの人間らしさが見えてきます。

◆〈前回掲載〉【Vol.6】工業都市、ヘヴィ・メタルとカレーの関係

音楽というものは古今東西、いかなるジャンルにおいても、だいたいシンプルなものに始まり、やがて複雑化していく傾向があります。

1960年代後半、イギリスではこれまでのロックより革新的で、複雑で、斬新な音楽が求められ、それが「プログレッシブ・ロック」となっていきました。ピンク・フロイドにキング・クリムゾン、そしてイエスの3つはもはや、「プログレ御三家」。彼らのアルバムを聴けば、なんとなくですが「なるほどこういうことか」と理解できると思います。

プログレッシブ・ロックに明確な定義はありませんが、おおむね「歌詞よりも演奏重視」「曲が壮大」「変拍子」「アルバムのコンセプト性・ストーリー性」はプログレの特徴と言えるでしょう。

また、プログレには「誰が演奏するか」よりも「楽曲そのもの」を重視する側面があり、バンドメンバーの入れ替わりが激しいのも特徴といえば特徴です。ひとつのバンドが分裂したり、バンド内バンドができたりすることもしばしば。この特徴は“バンド”というより“オーケストラ”に近いものであり、私はプログレを「クラシック音楽のいち形態」と捉えています。

ところで大学時代、音楽史の教授に「なぜアメリカではなくイギリスでプログレが発達したのか？」と質問したところ、「イギリスを含むヨーロッパには連綿と続くクラシック音楽の歴史があるが、新興国のアメリカにはそれがない」とご回答を頂いたことがあります。辛辣だなあと思いつつ、とても納得したことを覚えています。

プログレッシブ・ロックには関係人物が多いこともあり、なかなか特定の「食」と繋げにくいのですが、アーティストの多くは中流階級。労働者階級のアーティストよりは良いものを食べていた……というわけでもなく。というのも、中流階級が雇う家政婦は労働者階級ですので、同じようなものを食べていたというわけです。まあ、「英国といえば」な「アフタヌーンティー」は中流階級以上の文化ではあります。

ひとつ日本人には面白い話をすると、イギリス人は「キュウリのサンドイッチ」を好みます。スライスしたキュウリを挟んだだけの質素なサンドイッチは、イギリスでは貴族の食べ物でした。夏野菜であるキュウリは、気温25度でもバテてしまうイギリス国民にはなかなか縁の遠いもの。新鮮なキュウリが食べられることは、家に温室があるということを意味し、即ちそのひとがお金持ちであることを意味していたわけです。

ということで、きょうのひと皿はキュウリサンド。高級食材キュウリを使って贅沢なサンドイッチを作りましょう。

塩もみされて元気がないキュウリたち

パンは薄いほど上品とされているそうなので8枚切り。耳ももしゃもしゃ食べます

本来はバターを塗りますが、高級品なので辛子マヨネーズで代用

完成。耳が残っているのは私が不器用だからです

高級サンドイッチ。お味はいかに…いや、普通のサンドイッチでした。ただキュウリがパリパリしていて冷たくて夏にはぴったり。意外と「これだけでもいいんじゃないか？」というお味です。

ちなみにイエスの初期メンバーはほとんど菜食主義者で、ほぼ唯一リック・ウェイクマンだけが肉をモリモリ食べ、他のバンドとも気軽に絡んでいたそうです。オジー・オズボーンが悪いイタズラをしてイエスが大混乱したのは、また別のお話。

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2026年7月、大阪発の3ピースロックバンド・ammoは、岡本優星（Vo. Gt.）によるこんなコメントを添え、インディーズ1stアルバム『会うは別れの始め』のリマスター版をドロップした。

その知らせに、オリジナル盤がリリースされた6年前から経過した、短いようで長い月日を思う。振り返ってみれば、当時フロアには観客一人ひとりのスペースを制限するバミリのテープや足跡マークが貼られ、客席からの合唱はマスクの下に押し殺されていた。ライブハウスと、音楽をはじめとするあらゆるエンターテイメントに対して糾弾された「不要不急」の4文字に負けじと、『息抜く為の最低限ツアー』と題し、バンド初のリリースツアーを回っていた彼らは、サブスクリプションも解禁前だったし、現在のドラマー・北出大洋も加入前。世界を取り巻く状況も、バンドが置かれた状況も、今とは大きく異なっていた。そして、その変化は岡本が「自分たちのライブがそんなに激しいフロアになるとは想像もしていなかった」と語っている通り、決して予期されたものでもなかった。つまり、世間から敵とみなされ、傷ついたライブハウスシーンを仲間たちとリクリエイトし、自由奔放な遊び方と共に楽曲を育んできたのが、ammoの6年間だったと言える。

今回の再発で改めて強調されたのは、スリーピースらしいサウンドデザインにとらわれることなく、ピアノの追加やスカ的なアプローチといった音楽進化を果たしてきたammoの地肩だ。感情のひりつきを閉じ込めたがごとき歪みっぷりでありながらも、音の輪郭を潰さずに保った「フロントライン」のギター。消えずに残った恋心と後悔を吐き出すリリックの隙間を繋ぐように、回遊する「なんでもない」のベースライン。タムの沈み込みを100%サウンドへ反映した「歯型」の豪放なドラム。制限の緩和と共にライブハウスが従来の形を取り戻しつつある中で、2024年1月にメジャーデビューを果たしたammoの出発点がここにある。オーバーグラウンドとメインストリームへ本格的に繰り出す前の、まだまだ青臭かったアンサンブルが鳴っている。

と同時に、現在もキラーチューンとして機能している楽曲ばかりが収められた同作は、ammoのアイデンティティを剥き出しにしているとも記せるだろう。〈時々揺れるまつ毛を食べたい〉と綴った「わかってる」を一例に、川原創馬（Ba. Cho.）が「ホンマに気持ち悪くて『こんな歌詞、見たことないわ』って。笑」と語った、フェティシズムにも似た執着と体液と湿度を込めたリリックは既に顕在化。「なんでもない」の〈ただのなんでもない日と〉という最終行からも窺えるように、掛け言葉や言葉遊びを敷き詰めた詩世界も確立されつつある。要するに、パンキッシュなビートに目を背けたくなるほどの歌詞を乗せ、耳心地の良い押韻でマイルドに包んでみせるammoの真髄は変わっていないのだ。

本作然り、東京・ 高田馬場CLUB PHASEでのフリーワンマン『青春の反芻』の開催然り、どうやら彼らは原点に立ち返るフェーズに差し掛かった様子。メジャーデビューのタイミングで再録版『re:奏-EP』をドロップしていたことを思えば、今回の発表だって、ammoがammoの形を捉え直すためのものだろう。その明証に、彼らはメジャー2ndアルバム『＆SCENE』のリリースを9月9日（水）に控え、次なるステップへ繰り出そうとしているではないか。インディーズ時代の一歩目を見返し、メジャーでの二歩目を踏み出す。ブレない根幹を再提示したからこそ、ammoの行く先は自由だ。

【INFORMATION】

『会うは別れの始め(Remastered)』

RELEASE 2026年7月4日（土）
LABEL Orange Owl Records

視聴リンク（lit.link）：
https://music.apple.com/jp/album/6777962198?app=music&at=1l3vpUI&ct=LFV_5e0fac07196741d9378be855ecf9ef03&itscg=30440&itsct=catchall_p1&lId=216286243&cId=none&sr=1&src=Linkfire&ls=1

ammo

この連載『コ・リスニング・記録​​』 は、毎回ゲスト（コ・リスナー）とともに気になる最近のアルバム作品を一つ選び、通して聴きながらおしゃべりするという対談セッションの試みです。今回のお題は、現代を生きるR&Bアーティストとして先駆的であり続けるKelelaの、大反響を呼んだ新作レコーディング・アルバム！ DJ／プロデューサーのStupid Kozoさんとともに繰り広げた会話の記録を、どうぞお楽しみください。（企画・構成／1skr）

Kelela『new avatar』

【本日のコ・リスナー】Stupid Kozo

福岡県出身のDJ／プロデューサー。2014年より東京を拠点に活動。ダンスミュージックを基調に、多彩なジャンルを艶やかなムード／グルーヴでミックスするプレイスタイルを信条とする。

2014年にDJミックスショウ・Abysmal Loungeを設立。国内外から様々なゲストを招き、現在までに160以上のDJミックスを公開するなど、膨大なミックスカタログを持つ。プロデューサーとしてDexus Ogawa、In-dなどへ楽曲を提供するほか、2024年には自身初のEP『Full Send EP』をKool Switch Worksからリリース。また、R&B／ダンスミュージックの新たな才能を発掘するソニー・ミュージックレーベルズ／EPIC Records Japanによる新プロジェクト『Keep in Touch』にクリエイティブディレクターとして参加。国内外のクラブシーンを接続する活動を精力的に行う。

Instagram @stupid_kozo

思いもよらなかった“あいだ”を見せてくれるんですよね

♪Kelela『new avatar』（視聴リンクはこちら）

1skr 今回はぜひともこの方に語ってもらいたい題材ということで、Stupid Kozoさんを迎えています。Kelelaのアティチュードにもサウンドにも強く共鳴している部分を持っているのではと思いまして、真っ先にお願いしました。

Stupid Kozo 嬉しいです、ありがとうございます。

1skr 長らく一緒に遊ばせてもらっている仲だということもありますが、現場で会うとたいてい一晩中音楽の話をしているタイプなので、その意味でも適任だなと。笑

Stupid Kozo 得意ですからね、クラブで喉枯らすの。笑

1skr もちろんKelelaのことも、初期からよく話題にしていた気がします。

Stupid Kozo はい、やっぱり最初は『Cut 4 Me』（2013年）でしたよね。

1skr LAのレーベル、Fade to Mindからリリースされた金字塔的ミックステープですね。

Stupid Kozo Night SlugsやFade to Mindの、UK文脈のエレクトロニック／クラブミュージックの中でもオルタナティブなプロデューサーたちが登場した頃、自分はR&Bファンでもありつつ、ダンスミュージックにも惹かれつつ……みたいな時期だったんですよね。そこにその2つを混ぜ合わせて曲を作るシンガーが現れて。オルタナティブ／インディーなR&Bの流れの中でも、一番衝撃を受けた人かも知れないです。

1skr キートラックを手掛けたKingdomやFade to Mindチームにとっても、これが初めてのR&Bボーカル作品だったはずで、色んな意味で歴史的な出会いだと言えますね。

Stupid Kozo そうそう。彼らはダンスミュージックのトラックでR&Bへの憧れやリスペクトを表現してきたわけなんですけど、シンガーと組んで作品を出したりするんだ、というか、そんなことができるシンガーがいるんだ！ という驚きがありました。私は自分の音楽活動においても、2つの音楽的トピックの“あいだ”というか、言語化できない隙間の部分が好きなんですけど、Kelelaはアルバムを出すたびに思いもよらなかった‘‘あいだ’’を見せてくれるんですよね。そこがずっと大好きです。

1skr ほんと、貴重な存在ですよね。

Stupid Kozo いちリスナーに戻れるというか、信頼を持って身を委ねられる数少ないアーティストの一人だなと思います。一貫して自分の美学を持っていて、まさに『new avatar』でもそうですが、これまでと違う筆を執っていてもKelelaの絵が描けるというか。自分が関わっている「Keep in Touch」プロジェクトにおいても、重要なインスピレーションになっています。

1skr そんなKozoさんに、『new avatar』全12トラックを聴きながらの対話にお付き合いいただこうと思います。さっそく再生してみましょう！

もともと自分の中にあったビジョンに光を当てていく作品

1skr「idea 1」はあたかもラフな仮録音かのようなタイトルでありながら、都市社会における分断、重圧への対峙といったアルバムの主題を明らかにし、新たな主役となるサウンドを宣言する楽曲ですね。

Stupid Kozo これがアルバムを象徴するギターサウンドですよね。元々彼女が内包していたものなんだけど、音楽としては見せていなかった部分でもあって。ようやく今回、そこにフォーカスすることができたと。

1skr 単に新しい楽器を足してみましたという話ではないんですよね。とても有機的に、必然性を持って選び取られた要素というか。

Stupid Kozo これまでのKelelaのサウンドって、リバービーな、霧がかったようなシンセパッドの真ん中に声の存在感が現れるイメージが強かったですよね。靄の中にKelelaの姿が映るような。この曲ではその役割がギターリフに置き換わっているんですが、不思議と自然な感じで。違う機材、違う楽器を使ってもサウンドスケープにKelelaイズムがある。

1skr 続けて「point blank」も聴いてみましょう。先行公開曲の中では比較的エレクトロニックなスタイルの1曲なんですが、ここでも装飾を削ぎ落としたプロダクションに痺れます。

Stupid Kozo アルバムのメインプロデューサーのOscar Schellerって、PinkPantheressの作品をよく手掛けてきた人なんですよね。でも、意外にもめっちゃKelelaの音楽になってるなと。

1skr 制作初期の頃、Kelelaが彼のダンスミュージックの手腕に着目してスタジオセッションを申し込んだんですが、アルバム全体のビジョンを巡って2人が予想以上に意気投合したみたいですね。『new avatar』サウンドの具現化に決定的な役割を果たしたと言ってよさそうです。あ、この後半のベースの主張が強くなる展開は非常に“らしい”パートですね。

Stupid Kozo 『Cut 4 Me』​​の頃のサウンド、特にJam Cityっぽさをめっちゃ感じます。チャント的なボイスサンプルとかブレイクの入れ方も含めて、クラブ的なエナジーがありますね。

1skr そして、この生々しい手触りを残したボーカルで引っ張っていく感じもやっぱり独特。

Stupid Kozo このラフでミニマルな音だけで雄弁なメロディを書ける、ドラマチックにできるってすごいです。

1skr 歌詞も強烈です。ネガティブな人間関係、感情や力を吸い取られてしまうようなタイプの関係性を描写していて。

Stupid Kozo 特定の誰かというより、“男性的なもの”との関係としてね。

1skr そうですね。すごく具体的だけど、ある意味世界に遍在している権力勾配というか。こうした暗さと対峙する経験を書いている点は「goin down」も連続している気がします。この曲のヘビーなドラムとサンプルを織り交ぜて展開していくところや、ディケイの極端に短い音色にも惹かれます。

Stupid Kozo こういう音作り、匙加減がやっぱりKelelaのR&Bだなと。

1skr ここでいよいよ、ゲストを迎えた「outta time」ですね。

Stupid Kozo いやー、A. K. Paulね！この曲だけがOscar Schellerではなく彼との共作で、最初は『Take Me Apart』（2017年）のための楽曲だったんですよね。

1skr 今回のような、ギター主導のアルバムを作るときのために取っておいたという。

Stupid Kozo やっぱり今回は、元々自分の中にあったビジョンに光を当てていく作品なんですね。〈We’re runnin’ out of time…〉っていう不思議なメロディは、つい歌いたくもなります。

1skr 満を持してA. K. Paulの声が現れて掛け合いが始まるところの、ぞわっとするような感覚……ここすごくないですか？

Stupid Kozo プリンスみたいですね。なんだろう、やっぱりこのファンクネスなのかな。

1skr ブレスの抜き差しとかね。この録音全体に、規格外のものというか魔法的なものを感じます。

Stupid Kozo プロデューサーとして曲を書きつつバースもかましてるって、選手兼監督が代打でホームランを打つ、みたいなことですから。笑

1skr 笑。彼とJai Paulの兄弟で運営しているチーム・Paul Instituteの活動もよく知られていますが、ほんとマルチな天才なんですよね。

Stupid Kozo そこからアルバムをリリースしたFabiana Palladinoは、Pino Palladinoの娘なんですけど、大好きなR&Bシンガーで。Jai Paulがプロデュース参加しているファンクで80sな作品なんですが、勝手な印象としては『new avatar』に繋がっている質感があります。続けて聴きたくなる。

1skr 2024年の『Fabiana Palladino』ですよね、自分も聴いてみます。さて、アルバムは「against me」から間を置かずに「crystalize」へ。

Stupid Kozo 2曲とも拡張性を感じるというか、毎回リミックスアルバムを出しているKelelaだから想像できる楽しみがありますね。ミニマルだからこそリミックス映えしそう。

1skr ですね。このリミックスやエディットの観点って、もはや彼女の制作過程に組み込まれているもので、表裏一体のチャンネルだと言えます。

Stupid Kozo 実は『RAVE:N, The Remixes』（2024年）に参加したプロデューサー・Karen Nyame KGと一緒にツアーを回ったとき、その舞台裏の話をしてくれたんですよ（※2025年2月Keep in Touchの企画により複数会場で開催された、宇多田ヒカル『Electricity（Karen Nyame KG remix）』のリリースパーティー）。Kelelaのマネージメントチームにリミックスの最初のバージョンを送ったら、電話がかかってきたらしくて。「今日作業できる？ あなたのリミックスを聴いたKelelaがボーカルを録り直すためにブースに入ろうとしてるから、今からステムで送って」って言われたと。笑

1skr 元々リミックスの発注だったはずなのに、新録することになるという。笑

Stupid Kozo そうやってリミキサーにインスパイアされて歌い直すこともあるんです。リミックスのためのリミックスじゃないところが、純粋に素敵だなと思いますね。やっぱり連続性のあるカルチャーとして、自分の大事な一側面のレプリゼンテーション（表象）として出し続けている。

1skr これも後で掘り下げないといけないテーマですね。

色んなアンビバレントな側面を包容してくれるように感じる

1skr さて、ノンビートな「retaliation lullaby」を挟んでの後半の展開が気になります。特に「linknb」は、手数の多いドラムと多様なサンプリングが混ぜ込まれていて、タイトル的にも内容的にもKelela式ジャンル折衷の完成形と言えそうだなと。90年代メンフィスラップのパイオニア的アーティスト、Lady Bのフレーズをループさせていたりもします。

Stupid Kozo しかもミックスとか、キックのパターンはめっちゃクラブ的なんですよね。このフィルインでのニューオーリンズバウンス要素なんかも、Kelelaならではのバランス感です。

1skr 巧みに混ぜてきますよね〜。この流れで「don’t piss me off」に行ってみましょう。ソリッドな2-Step／UKGトラックなんですが、それをぶった切るようなビートの抜き差しがあったりして、ここにもフィジカルな手触りを介入させようという意図を感じます。

Stupid Kozo もうひとつ、プロダクション視点ですごいなと感じるのは、Kelelaのボーカルを除くと、高音域の要素があんまりないですよね。すべてがもやの中にあるようで、モコモコして何も見えないってわけでもない、絶妙なラインだなと。Drakeのプロデューサー・Noah ’40’ Shebibなんかも、結構こういうことをやってたりしますね。

1skr 面白い。とてもクリアに解像度高く、アンクリアな音像をやってるという。

Stupid Kozo クラブっぽいことをやるにしても、前作『Raven』とはまた違った気遣いを感じますね。

1skr 続いて2人目のゲストボーカリスト、Fousheéを迎えた「new life forms」です。

Stupid Kozo アルバムの中ではラップビート寄りの曲で、ちょっとVegynとかMura Masa​​のオケに通じる感じ。このFousheéのバース、カッコいいですよね。彼女のソロ作ともだいぶ印象が違って、新しい側面が引き出されている気がする。あと、やっぱり音像は一貫していて、色んなドラムパターンやジャンルが混ざっていても連続性があるなと。

1skr こうしたクロスオーバーの到達点として配置されているのが、PinkPantheressとの「the bridge」です。

Stupid Kozo これは待望の楽曲でしたよね。

1skr PinkPantheressの1stアルバムで共演してからはや3年、今度はKelelaのフィールドで遊んでみせた決定的なコラボと言っていいんじゃないでしょうか。

Stupid Kozo この、いつになくクールなPinkPantheressが良いですよね。

1skr「don’t piss me off」と連続した、あのローでフォギーなUKGビートに寄り添いつつ、リリックでは関係性を解放する役割を演じている感じで。どうやら甲乙つけがたい2本のテイクが録れてしまって、ハイブリッドな1バースにエディットし直すという面白いプロセスを経たみたいです。

Stupid Kozo 最近のPinkPantheressのショー（※2026年5月のニューヨーク公演）にKelela、Rochelle Jordan、Tinasheの3人が来ていたのをふと思い出したりして。私の好きな女性シンガーのアベンジャーズみたいになってました。笑

1skr 最高のチームだ。笑 世代やシーンを越えたリスペクトで繋がっているのが伝わってくるトラックでした。ここで名残惜しいところですが、最後の楽曲「if we meet again」です。ここでも予定調和的なアウトロは存在しなくて、最後まで強い主題を持った楽曲で構成されてますね。

Stupid Kozo 彼女のトップライン（主旋律）もプロダクションも、簡単に分類させてくれない、「ああ、その感じね」って聴き流せないようなサウンドが一貫しているなと思います。どんな音楽をやっていても引っ張られないというか、Kelelaの側に引っ張ってきて内包してしまう引力とも言える。やっぱりこれは新境地であると同時に、Kelelaを象徴する作品なんじゃないかなと。

1skr まさに。リスニングを終えて、まずはその内包というトピックから話してみましょうか。

Stupid Kozo『Cut 4 Me』のときからずっと、こういう内包性を持ってるというか、色んなアンビバレントな側面を包容してくれるように感じるんです。

1skr 最初に話してくれた“あいだ”の部分ですよね。周縁化された存在や感情に寄り添う音楽、という。

Stupid Kozo そうですね、ど真ん中じゃないもの……隙間という意味でも、またマイノリティという意味でも。

1skr 実は本人が思っていた以上に、その表現を必要としている人がいたっていうことにも繋がりますよね。『Raven』から今作を通じて、個人的で周縁的な経験が普遍性を持つというのはどういうことか、我々も気付かされたような感覚がします。

Stupid Kozo このアルバムの音像も、同じ部屋にいる感じがするんですよね。観客席からKelelaを見てるという視点じゃなくて、空間をシェアしてくれているというか。完全無欠のスター像みたいなものが無効になってしまった時代だからこそ、このパーソナルな音楽が生まれたのかなと。最近だとMk.geeとかDijonとか、Steve Lacyにも共通性を感じるような……そんなことを思いましたね。

1skr やっぱり彼女のサウンドとスタンスが一致しているからでしょうか。

Stupid Kozo 作品自体が色んな音楽的側面のジャンクションになっていて、「ココとココって繋がってるよね」って考えていたのは自分だけじゃなかったんだ、と思わせてくれるんですよね。今まで言葉が存在しなかったところ、ジャンル名では語れなかった中間の部分をいつも紡いでくれているのが、推せるなって思います。

1skr これもレプリゼンテーションってことですね。

Stupid Kozo そうそう。言語化……というより、音響化ですかね。

1skr 今回の曲名で言えば「bridge」すること、区分けされているシーンを橋渡しすることでもある。

Stupid Kozo Kelelaの音楽が好きな人の中にも、色んな比重があると思うんです。R&Bが好きな人もエレクトロニックが好きな人も。そういう比重が違っている部分も繋いでくれるんですよね。インタビューでも今回の作品は、R&Bで育ってギターロックやインディーロックも愛してきたマイノリティたちへのラブレターのようなもの、って言ってましたよね。

1skr はい。彼女自身がクィアな黒人女性として、R&Bを作るインディーアーティストとして、周縁化される側の立場を数え切れないほど経験してきたからこそなんですよね。

Stupid Kozo R&Bというジャンルへの視点にもすごく共感します。R&Bってずっと革新的な音楽だし、今のポップミュージックはR&Bがなかったら成立しないんですが。それがどこにでもある平板化したものとして扱われてしまうことに対して、かなり敏感な問題意識を持ってますよね。

1skr R&Bの重層性を覆い隠して、商業的なラベルで囲い込んでしまうような“ソニック・レイシズム”、音の人種差別と言うべき構造があるんだということを、以前から指摘していますね。

Stupid Kozo 私も自分なりに、このすごく豊かで先進的なジャンルにどう貢献できるんだろうと思いながら向き合ってきたわけですが、Kelelaのおかげで色んなことに気づかせてもらえていますね。発言する人としてとても魅力的だし、尊敬できる存在です。

1skr このお話に関心を持ってくれた方には、特にDJ／キュレーターのNaomi Clément​​によるインタビューの動画を観ていただきたいので紹介しておきます。自動字幕でも十分追いかけられると思います。

Stupid Kozo 素晴らしいインタビューでしたよね、おすすめです。

「さて、自分はどうする？」というパーソナルな問い

1skr これまでのお話でも分かるように、やっぱり触発的なアーティストなんですよね。日本のローカルなシーンに居る我々にとっても、「さて、自分はどうする？」というパーソナルな問いに立ち返るきっかけになっていると思います。「クラブのフロアにギターリフが鳴り響く瞬間をずっと望んでいた」という発言や、『Kelela Presents』と題して自らホストしてきた一連のイベントのことを考えても、自分のいるコミュニティをどうしていきたいのか、という視点があるし。

Stupid Kozo クラブという空間の包容力を拡張できる瞬間というかね。そういうことも考えさせてくれますね。

1skr Kozoさんがクリエイティブディレクターとして参加している『Keep in Touch』も、Kelelaの活動から大きな影響を受けているというお話でしたよね。

Stupid Kozo はい。『Keep in Touch』はソニーのEPIC Records Japanの中に立ち上げられたプロジェクトで、日本にもR&Bとダンスミュージックをハイブリッドに実践するようなアーティストが生まれたらすごく良いよね、という発想を元に公募でオーディションを開催したところから始まってます。私は「そういう音楽が好きなヤツ」として手伝わせてもらっています。笑

1skr ‘‘普遍性と耐久性のある楽曲制作’’を掲げたステートメントや、その後のリリース、コンテンツ発信も非常に刺激的です。

Stupid Kozo 昨年発表したコンピレーションに続いて、今後も面白い組み合わせのリリースをしていく予定なので、ぜひチェックしてもらえたら嬉しいです。まさにKelelaのような精神性を持った音楽を生み出せたらな……と日々頑張ってますんで。

1skr このように、Kelelaから多くのものを受け取っているお話が聞けて、今回は本当に良い時間になったなと思います。

Stupid Kozo 一ファンとしても改めて向き合う機会をもらえて嬉しかったですし、感謝です！

1skr ピンと来た読者におかれましては、Kozoさんの活動にも是非注目していただければと。今回はありがとうございました！

【INFORMATION】Kelela

HP https://www.kelela.co/
bandcamp https://kelela.bandcamp.com/music

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その後、2023年12月に東京・下北沢BASEMENTBARにて開催された『重大発表ONEMAN LIVE』にて、サポートメンバーとして関わり続けてきた神谷幸宏（Dr.）と赤塚舜（Ba.）の加入を発表。2026年3月には恵比寿LIQUIDROOMにてワンマンライブ『えんぷてい単独公演』を成功に収めたほか、自身が主催するライブシリーズ『𝙎𝙀𝙎𝙎𝙄𝙊𝙉𝙎』にて、君島大空トリオやLaura day romance、MONO NO AWAREらとの共演を実現してきた。

彼らの最大の特徴は、安易に‘‘グッドメロディー”と記してしまいたくなるほどに普遍的な旋律だ。甘美な響きを備えた奥中の歌声が熱情で乱れる瞬間の美しさ、緻密に組み上げられた構成を再構築するジャムセッションの緊張感、エレクトロやパンク、R&Bからジャズに至るまで、多彩なバックグラウンドを持つメンバーの特性を活かしたフレーズの鮮やかさ。えんぷていの音楽は、埃っぽいインディーロック的な性格と、スッと吹き抜ける涼風を想起させる軽やかさの双方を備えている。

こうしたメロディーの中枢を担っているエレメントが、ゆらゆら帝国の『空洞です』とはっぴいえんどからバンド名を名付けたというエピソードからも読み取れる‘‘聴き手の音楽視野を拡張したい”という思いだろう。言い換えれば、数千回、数万回の鑑賞に耐えうる作品を思い求める気持ちが、5人を突き動かしているのだ。実際、1stフルアルバムの『QUIET FRIENDS』は、星と星の移動というSFチックなテーマ下で幽玄な世界観を築きあげた1枚だったし、2ndアルバムの『TIME』だって、時間という極めて包括的な概念を、時と結び付けたリリックやアルバム全体の楽曲配置で咀嚼したディスクだった。1曲目「Turn Over」とラストナンバー「宇宙飛行士の恋人」を繋げることで循環構造を作り出す、という『TIME』に設置された仕掛けも、彼らの主題たる「TIMELESS」の実現に一役買っているように思う。

とはいえ、先述した通り、彼らは専門的な作風へ傾倒したいわけではない。そんな中、えんぷていを大衆へ開いていく重要なピースが、aikoや槇原敬之、いきものがかりをはじめとする1990年代から2000年代のJ-POPからの影響である。そして、そのインフルエンスが一途に提示された1曲が、2024年9月にドロップされた「夏よ」だった。夏の名曲たちに欠かせないアコースティックギターのサラサラとした音色を振りかけ、「最大限のポップスを目指した」と明かしたこの曲を、奥中は「これまで多かった様式美的な楽曲よりも、楽曲のエモーショナルな力がより感じられる作品になったんじゃないか」と評した。さらに、「『夏よ』でモードが変わった感覚はありました」と語り、「聴いてくださる方のことを考えながら曲を書くことの楽しさ、美しさに気づいた」と言葉を続けている。シンバルとビートを打ち付けられながら、ギリギリのハイトーンを響かせる「あなたの全て」に「えんぷていの音楽性からは最も遠いところ」「あえて『外れ値』のようなのをやってみよう」と解説を寄せていることを踏まえると、従来のえんぷていにとって感情的や直情的であることは、彼らの美学から離れたものであったのだろう。しかし、上述したコメントからも読み取れる通り、5人はこの曲によって、自らの心の内を紛らわすことなく伝えられるようになったのである。これまで携えていた客観的な視点をあえて取り除き、1人の人間としてリスナーと向き合えるようになったのだ。

実際、6月に届けられた3rdアルバム『えんぷてい』は、バンド史上最も開放的な作品に仕上がった。レトロな質感のストリングスやコーラスワーク、可愛らしい擬音を用いたリリックが印象的な「君はきっと」。「夏よ」にもリンクする爽やかなアコースティックギターと淡々と打ち込まれるバスドラムで築いた土壌から、弦の音がグングンと青空に伸びていく「バタフライエフェクト」。四つ打ちを基軸にハンドワイパーを巻き起こすようなアンセミックなアウトロへ突入していく「SWEATER」。丁寧に編み上げられていくアンサンブルを基盤に正面へと躍り出るメロディーや歌声が、感情の在処をハッキリと伝えている。

ここまで書くと、理知的でコンセプチュアルなバンドがオープンになった、と思われるかもしれないが、そもそもえんぷていは決して閉じ切ったバンドではなかった。むしろ、5人が保持してきた泥臭いパッションを顕在化させたのが、今のこのタイミングだった、とも言える。「僕らの根底にはロックもあるし、反骨心もある。僕らなりのポップスを提示して、J-POPのヒットチャートの常識を変えたいという思いもある」と話しているように、あくまでも彼らが志向しているのは‘‘バンドという音楽を広めたい”‘‘バンドという形態で不朽の名作を生み出したい”という最もプリミティブな意思なのだ。そう考えると、コンセプトという手法を武器に、ファスト的で情報量の多い音楽シーンへアンチテーゼを呈していた数年前から、彼らの本質は変わっていないのだ、と納得できる。

では、なぜえんぷていは、ポップスという地平へ新たに足を踏み入れることができたのか。このクエスチョンに対する模範解答が、「僕らは、もっと人間くさい音楽を聴きたいし、やりたいんですよね」という奥中の言葉だ。この一言からも伝わってくるように、彼らは5人で音楽を鳴らす意義を、言い換えれば、バンドという手間暇のかかる手法の意味を改めて確かめたのではないだろうか。‘‘誰が鳴らすのか”と‘‘誰と鳴らすのか”にとことんこだわった上で、石嶋と比志島、神谷、赤塚のプレイを想定したソングライティングを行っていく。そして、その原型が5人の反応によって、変形していく。その生き生きとした営みの魅力を確かめ直したからこそ、「バンドを長く続けていきたい」なんて声もこぼれるし、セルフタイトルにもたどり着いたのだろう。そのキャッチーさゆえに解離を起こしてしまった「コンクリートルーム」をターニングポイントに、一度は「楽曲のわかりやすさ」そのものから距離を置いたえんぷてい。そんな彼らがバンドの素晴らしさを嚙み締めた上で、真っ向から己の激情を曝け出す歌を歌っている。5人によるポップスへの挑戦と音楽探求は、転換期を迎えている。

【INFORMATION】

『えんぷてい』

RELEASE 2026年6月10日(水)
LABEL E.M.P.T. RECORDS

えんぷてい

X @EMPTEI__
Instagram @emptei__
HP https://emptei.com/

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原宿系の読者モデル×ブロガーから歌手に

歌手になる前のきゃりーぱみゅぱみゅは、カラオケが上手でブログが人気な高校生で、原宿系の読者モデルでした。

『KERA』や『Zipper』に登場し始め、2010年に開始したアメブロ『きゃりーぱみゅぱみゅのウェイウェイブログ』は、アメブロ芸能人ランキングで上位を記録し続け、当時の中学生や高校生のスター的な立ち位置でした。

その人気は次第に広がり、ティーンだけでなく、ファッション感度の高い大人たちにも届いていき、2011年に中田ヤスタカのプロデュースで『もしもし原宿』でメジャーデビューを果たしました。

彼女のセルフプロデュース力は確固たるもので、自前のスタイリングで誌面に登場する彼女は、今で言うインフルエンサーの原型のような存在。今日だと、恋愛リアリティ・ショー『今日、好きになりました。』に出演している高校生たちのように、全国の女子中高生から熱狂的な支持を集めていました。

きゃりーぱみゅぱみゅは、当時高校生ティーンのスターとして、すでに強固なファンベースを持った状態で歌手になり、日本を代表するKAWAIIカルチャーの担い手になったのです。

デコラ系ファッションのルーツとマインド

また、きゃりーが体現した原宿KAWAIIカルチャーとして、‘‘デコラ系’’と呼ばれるカラフルで装飾過剰なファッション・スタイルがあります。

このデコラ系は、原宿のストリート・ファッションのカルチャーで育っていたのですが、そのルーツにクラブカルチャーがあることが大事な視点です。まず大昔に原宿にオープンした日本初のクラブ『ピテカントロプス・エレクトス（通称：ピテカン）』によって、原宿では「おしゃれをして集う」という文化が育ったことをルーツとしており、その中で原宿はファッションの街になっていきました。

そして、当時から原宿の音楽好きのファッションには、「型にハマらず、自分だけのスタイリングを作り上げる」という当時のクラブカルチャーとパンク精神が流れていたそうで、それがやがては「青文字系」という女性誌特有の文化を作りました。『NANA』で広く知られる漫画家の矢沢あいが、ヴィヴィアン・ウェストウッドのファッションを幾度も描いていた背景とも近いことだと思います（矢沢あいの漫画は、私が小学生の頃に青文字系代表雑誌『Zipper』で連載されていました）。

青文字系は数十年原宿に集まってきた若者たちのパンク精神を引き継いでおり、カラフルで過剰な装飾は時代ごとに積み重なっていきました。そして、きゃりーぱみゅぱみゅがアーティストとしてデビューする頃、‘‘日本の文化’’として結晶化し、海外へ発信する路線を打ち立てたのです。実際、デコラ系は『KERA』や『Zipper』といった青文字系雑誌だけでなく、きゃりーぱみゅぱみゅのアイコンと音楽を通じて、国内にとどまらず世界中の女の子たちに届いていきました。

きゃりーぱみゅぱみゅはその文化の正統な担い手として原宿から現れた高校生でしたが、彼女が中田ヤスタカと組むことで、原宿のファッションは再びクラブカルチャーとの合流を果たした、とも解釈できるかもしれません。

きゃりーぱみゅぱみゅがジェンダー・フリーなJ-POPを輸出した

きゃりーぱみゅぱみゅの登場によって起きたことは、デコラ系が「日本発のKAWAIIカルチャー」として世界に認知されていったという現象です。

また、きゃりーぱみゅぱみゅは元々お笑い好きだったこともあり、当時はブログなどで終始同級生とふざけまくっていた印象で、とにかく女子ウケの良いモデルでした。「女の子は男の子にとって、絶対的に可愛い存在でなければならない」という考え方を、ファッションや発信で真っ向から否定しながら、独自の「可愛い」を追求してくれていたのです。

その姿は、当時共学校に通っていた私にとってはカリスマ以外の何者でもありませんでした。ウィッグを付けて登校するブログを読みながら、校則に縛られる自分と向き合い、「ああ、本当はこういう風に自由に生きていいんだな」と開き直れた記憶があります。

平成一桁生まれが享受していたカルチャーは『おジャ魔女どれみ』然り、「自分らしくあること」を学べるコンテンツだったと思います。社会に限らず、意外と権力構造がしっかりとあった平成の音楽業界の中で、自分の道を切り拓く強さを教えてくれる女性アーティストは考えてみても稀有な存在です。きゃりーぱみゅぱみゅはそういった意味で、圧倒的な若手アーティストだったように思います。

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それぞれの得意技を掛け合わせた音楽を作る

──TaTaTaPORCOはどういった流れで結成されたんですか？

伊藤コウスケ（Ba.／以下伊藤）僕と河内くんは幼馴染みなんですよ。それで、ircleが活動休止をするときのライブにも帯同していたりして、その頃から河内くんといつか一緒にバンドやれたらいいね、という話はしていたんです。急かしてもいけないだろうなとは思いつつ、でも彼は絶対にロックバンドとしてステージに立ち続けるべき人だとは思っていたので、そこから1年くらい経って、改めてバンドやらないかと声を掛けました。それで、2人で酒飲んでたときに、KEYTALKの活動休止のニュースが入ってきたんです。

河内健悟（Vo. Gt.／以下河内）さすがにそこからすぐに俺らと一緒にやらん？とは聞けなかったけど、落ち着いた頃に八木ちゃんに改めて連絡しましたね。

八木優樹（Dr.／以下八木）お誘いの連絡をもらう直前、僕とircleの伊井さんがコピーバンドで出演していた下北沢の年末イベントに河内さんも弾き語りで出演していたんです。そのイベントでは僕らがトリだったんですけど、アンコールで河内さんにも出てもらって、一緒にircleの「本当の事」を演奏したんですよ。

河内 そうそう、俺はかなり渋ったけどね。笑 そのこともあったし、八木ちゃんとは関係性もある人だから声を掛けたんです。そしたら前のめりで「やりたいです！」って返事してくれて、あれは驚いたな。バンド活動に疲れて休んでいる状況だったんだけど、この3人でやったらだいぶ面白いなと思えたし、実際にスタジオに入って合わせてみてそれを確信しましたね。元々はローペースで趣味の延長的なバンドをやりたかったんですけど、伊藤がバシバシライブを決めまくるから、今は全然ハイペースな活動になっていますけど。

八木 伊藤くんとはそのスタジオが初対面だったんですよ。

伊藤 僕もバンドをやっていたし、八木くんと近いところにはずっといたんだけど、気づいたときには彼は売れていたから、嫉妬も相俟って嫌っていたんです。

全員（笑）

河内 嫌いは言いすぎでしょう。笑

八木 ははは！でも同い年で、初めて一緒にスタジオに入ったときには、この人のベースめちゃくちゃ良いな！と思いましたけどね。

河内 誘った俺が言うのもあれだけど、2人が初対面であることはやっぱり気に掛かっていたけどね。でも、結果的には良い方向にいってくれて安心しましたね。

──最初のスタジオでは何の曲を合わせたんですか？

八木 そのときにはもう何曲かできていて、「我儘な花束」のアレンジを練った気がします。そこから色々試しながら、各々がやってきたことをやってみよう！となったんです。僕でいえば、四つ打ちを入れてみたりして。実はこれまで、四つ打ちは避けていたんですよ。

河内 そうそう。でも、八木ちゃんは四つ打ちが嫌いなん？って聞いたら、いやどちらかといえば好きなんですって答えたから、じゃあ入れようやとなって今のアレンジになったんだ。だからこの曲はかなり思い出深いですね。

伊藤 めちゃくちゃ良いですよね。こういう風に足し算ができるバンドって少ないし。

八木 そうだね。完成形に向かって皆で試行錯誤していくという流れが一般的なので、音楽的にはいびつかもしれないけど、それぞれの得意技を合わせていくという作り方がものすごく新鮮でしたね。各々がやりたいことをやって、皆でガチャガチャするみたいな合わせ方は、バンドを始めたての高校生みたいな気持ちになるし、それをこの年齢でできるのが面白いし、結構カッコいいと思うんです。

伊藤 強い状態でニューゲームをやっている感覚だよね。

河内 初ライブでもかなり手応えあったしな。

一緒に飯を食える人たちとバンドをやりたかった

──初ライブは、横浜BAYSISでのイベントでしたね。

河内 そうだね。ローペースでいいならって感じで始めたものの、そのときの手応えもあって、こういう風なライブができるのであればもっとやっていけるなと3人が感じたことが大きいかもしれないですね。そもそもライブをやってもいいんだ！という空気感だったこともそうだし。

伊藤 そのファーストライブの音源をリリースするんですけど、自分たちで聴き直してみてもその音源がめちゃくちゃ良かったんですよ。上手い下手ではなく、ライブの空気感がとにかくハマっていたんですよね。とにかく楽しかった。

河内 初期衝動っていうよりも、バンドの空気とお客さんのテンション感も相まって、カタルシス的なものが完全に一致した感覚がしたんですよね。本当に気持ちよかった。

伊藤 TaTaTaPORCOにおけるコンセプトが、“一緒に飯を食えるバンド”なんですよ。長くバンドをやってると、メンバーで一緒にご飯を食べる機会ってどうしても少なくなってくるんですよね。だけど、最初のライブが終わった後はもう3人で飲もう！となって、都内に戻って居酒屋に行って、朝までカラオケに行ったんです。そういうことって、嫌いな奴らとはできないじゃないですか？この年齢になってもそういうことができる人たちだからこそライブの気持ち良さを感じるタイミングも合うんだと思うし、そこはずっと大事にしていきたいと思っています。

──ライブ活動と並行しつつ、曲作りも進めているんですか？

河内 あんまり気張って作っていくというよりは、いい感じの曲があるけどやってみる？って感じでフランクに合わせているかな。

伊藤 河内くんが全部作ってくるというよりは、元になるメロディを持ってきてもらって、皆でジャムっていくという感じですね。大体曲を作る人って、これはこうじゃなきゃダメだという確固たるものを持っている人が多いと思うんです。でも、河内くんは足し算を楽しめる人だから、変だなって思ったらもちろん言うけど、基本的には受け入れてくれるんですよ。その場で順応して、その変化を楽しめる人なのがすごいなと思います。

八木 コンポーザーとしては珍しいタイプの人だと思います。

河内 個人的には、これがバンドだよね！っていう感じなんだよね。それぞれが思う良い方向に向かって進んでいけば結果的に楽しくなっていくはずだし、考えて考えて煮詰まっていくのは時間がもったいないなと。それでギスギスして楽しくなくなっちゃうのであれば本末転倒だし、楽しくなければその曲をやるのをやめればいいだけだし。だから、TaTaTaPORCOのスタジオや曲作りは、自分的にはこれをやりたかったんだよなって感じでしっくり感じていますね。

──八木さんは、luvliminallのメンバーであり、様々なアーティストのサポートもされていますが、こういった考え方は稀有だなと思いますか？

八木 かなり特殊だと思います。まず、2人ともアイデアの数が半端じゃないんですよ。 こうしたいっていうパターンがめちゃくちゃあって、それを一個一個、その人にフォーカスしてちゃんと試すんですよね。一回やってみようって絶対になるのがとてもいいなと思っているんです。

伊藤 これって珍しいことなの？

河内 経験上、それは試さなくていいやっていうのはバンドの中ではよくあるからね。

八木 正解に向かって作っていると試さなくなるかもしれないですけど、僕らはそもそも正解を設定していないからこそ柔軟に変わっていくんですよね。今やっている曲もライブごとに全然違ったりするし、ライブでやってみてこれは違ったなと思ったら、じゃあこうしてみよう！という引き出しがそれぞれにあるんですよね。

──良い意味で、バンドとしての方向性がない状態？

河内 いや、ぐっちゃぐちゃであることを目指してるんじゃないかな？今の段階でそこを固めると、これから結構キツい気がするな。それを設定してしまうと、あっという間に終わってしまう気がする。

伊藤 誰かがやりたいことはやるし、誰かがやりたくないことはやらない、っていうのが僕らの方向性ですね。

──楽曲の話で言うと、「とんこつ」や「コーヒーアンドシガレッツ」は、重厚感とスピード感が際立つ楽曲で、ライブでの起爆剤となっているように思います。

八木 河内さんはスピード狂ですからね。あの曲のハードコアな部分については、伊藤くんのアイデアが核を担っていると思います。ああいったリフや技法を持ってきてくれるのは彼なので。

伊藤 僕はメロディを書かないんですよ。なぜならば、河内くんが書いた方がカッコいいからなんですけど。でも、ボーカルによっては、じゃあお前がやれよってタイプの方が多いと思うんです。でも、この人は、じゃあどうしようかな？って楽しんでくれるんですよね。それが良い。

八木 僕が作った曲も、河内さんに歌ってほしいですもん。

河内 まだ表には出していないけど、八木ちゃんが持ってきてくれたやつで良い曲があるんだよね。

八木 この前、皆で家に集まって、これまでボツになった曲を改めて聴き直してみたんですよ。

伊藤 供養したんだよね。笑

河内 そうそう。聴いてみたら、結構皆良い曲持ってたんだよね。そこからビートやフレーズをピックアップして、3人で好きなようにアレンジを加えて、それぞれが楽しめる曲にしていけたら一番良いと思うんだよな。

自分たちが楽しく音楽をやれている実感がある

──先日都内でのライブを拝見したのですが、メンバーが楽しんでライブをしたいという想いがステージにも表れているように感じました。ファンとしても、ステージでまた観れるという感慨深さや喜びもあったと思いますし、トータルでとても良い空気感だったなと思います。

河内 そうであれば、やって良かったなと思います。自分たちの心身が健康であるためにやっているバンドでもあるので。

八木 何もしないとすぐ動けなくなっちゃうからね。

──これまで対バンしてこなかった若手バンドと対バンする機会も増えたのではないかと思いますが、感化される面もあるのでしょうか。

河内 メインのバンドを活動休止してから、若い子たちがライブをやっている場所に出向く気持ちが薄くなってしまっていたんだけど、やっぱり若い子たちの熱量を浴びるのはいいなと思いましたね。何かを一生懸命やることの美しさに感動しますし、俺も負けねえぞ、とは思います。やっぱりこういう出会いや機会が楽しいなと思うし、のうのうと生きて、ただただ死に向かっているだけじゃ意味がないなと感じましたね。

伊藤 ステージでライブすること以上に楽しいことってないよね。

河内 うん、ないな。

──ライブをすることで気持ちも感化され、当初の活動のコンセプトとは別な欲求も出てきたりしました？

河内 うーん、それはあまり考えないようにしているかな。皆で面白がってやれるように動いていけたらいいなと思っています。土日に本気で草野球をしている人たちみたいな。草野球チームなのにめちゃくちゃ強い！みたいなのが理想かな。

八木 草野球をやっている身からすると、マジでそういう人いますからね。

伊藤 アンダーグラウンドを席巻したいよな。

河内 たとえば、じゃんけんで買った人がセットリストの最初の3曲をその場で決めるとか、そういう現場で面白いことや変なことを楽しんでやれるバンドでありたいかな。そういったマインドにさせてくれたのは、伊藤の破天荒な考えがあるからこそかもしれないですね。バンドの進め方にしろ、曲のフレージングにしろ。俺や八木ちゃんは、やりたいこともある反面、やらなきゃいけないことも多かったからこそ、疲れてしまっていた部分も正直あると思っていて。だからこそ、素直に楽しい方向へ全振りできる今のこの環境が心地良いし、このままもっとやっていきたいなと素直に思えるというか。

伊藤 おかげで俺は今、人生で一番楽しくバンドをやれていますね。

──とても良い状態ですね。先ほどのお話にもあったように、リリースやツアーも決まっているとのことで、これからの活動も楽しみです。

河内 8月1日のイベントは翌日が誕生日なので、良い気分で日を跨げるようにいっぱいお酒を飲みます！そんな感じで俺らはこれからも楽しんでやっていくので、観てくれる人も面白がってもらえたら嬉しいですね。

（写真提供＝omi hisato）

【INFORMATION】

TaTaTaPORCO

X @TaTaTaPORCO
Instagram @tatataporco

『FAR FROM HEAVEN』

7月25日(土)「MURO FES 2026」より、会場限定／数量限定発売

『Throw Down Awake vol.1』

出演：
pudelhunds
BYEE the ROUND
Lana
TaTaTaPORCO

日程 2026年8月1日（土）
op /st 18:00 / 18:30
会場 下北沢ERA
料金 ¥3,500 /  U-22割 ¥2,500（+1D）

チケット購入：
http://livepocket.jp/e/ww5ht

『TaTaTaPORCO pre.”Far From Heaven” 』

出演：
TaTaTaPORCO
climbgrow
YOWLL
チセツナガラ

日程 2026年9月13日(日)
op /st 18:30 / 19:00
会場 LIVE SQUARE 2nd LINE
料金 前売 ¥3,800 U-22割 ¥3,000

『TaTaTaPORCO pre.”Far From Heaven” 』

出演：
TaTaTaPORCO
climbgrow
ルサンチマン
mabuta

日程 2026年9月20日(日)
op /st 18:30 / 19:00
会場 渋谷 Spotify O-Crest
料金 前売¥3,800 U-22割 ¥3,000