京都と大阪、兵庫を貫く国道171号を自らの名に掲げた3ピースバンド・171。彼らはスピードスターレコーズからのメジャーデビューアルバムとなる『HELLO!』を携え、全国13箇所を巡るツアーを今年2月に完走したのだが、その後、SNSに流れてきたある1本の動画に撃ち抜かれた。というのも、3人はMCでその公演に携わった全てのスタッフの名前を読み上げていたのである。エンドロールに名前を流すようなこの行為は、171というバンドがライブハウスで出会った人々を愛していることと、彼らの音楽を耳にした人々にライブハウスという場所への招待状を送り続けていることを裏付けていた。

5月から『vs171ツアー 2026』を、7月からは新たなワンマンツアーをスタートさせ、愛おしいほどにゴリゴリとした音像と衒いのない詩世界を広げんとしている171。彼らが内包するライブハウス愛やソングライター2人から生まれる対象性、矛盾と醜さを許容する懐の大きさについて、話を聞いた。

INDEX

171というサウンドをリニューアルしていく過程そのものが楽しかったんです
ライブハウスというものを生活に近づけられる存在でありたい
矛盾そのものが僕の中での大きなテーマ
【INFORMATION】

171というサウンドをリニューアルしていく過程そのものが楽しかったんです

──2025年12月3日（水）にメジャー1stアルバム『HELLO!』がリリースされました。とにかくライブハウスやロックバンド、ひいては音楽に対する愛情と誇りが込められている作品だと思いますし、音楽愛をポジティブな方向だけではなく、喪失や懐かしい記憶といった仄暗い部分とも結びつける1枚だと受け止めています。改めてこのアルバムを振り返って、どのような作品になったと感じていますか？

田村晴信（Vo. Gt.／以下田村）メジャーデビューアルバムということで、今までの自分たちと変わりすぎずに、新しい自分たちを出していけたかなと思っています。これまでの171になかったものと、今の僕らがやりたいことを盛り込みながら、自分たちが作りあげてきた171らしさを一貫したテーマとして表現できました。

──新たにプラスしたいと思った171の一面とは？

田村今までは僕がアレンジを担当することが多かったんですけど、今回はカナが編曲まで手がけた曲がいくつも収録されているんです。171の基盤みたいなポジションを担ってくれていたカナのアレンジやサウンドを新しい形で試せた気がしますし、カナが（アレンジを）担当してくれたことで新しい色を出せたんじゃないかな。

──おっしゃる通り、ひしゃげた音像でグランジーな質感を強調した「SUPERSONIC」や重なり合うボーカルがトリップさせるような感覚を生み出す「plastic world」など、カナさんが作り上げた楽曲は今作のサウンド的な拡張に寄与していると思います。「新しい171らしさ」を出すためにカナさんへ依頼したのか、カナさんから出てきた歌がこれまでの171にない部分を自然と担ってくれたのかでいうと、どちらがイメージ的には近いのでしょうか？

田村どっちかというと後者なのかな……。もちろん、僕が作ってきたものと意図的に作風を変えてくれた部分もあると思うんですけど、やっぱり作る人が変わると雰囲気もガラッと変わるじゃないですか。とはいえ、狙ってやっているというよりかは、全曲それぞれで楽しんで制作に臨んでいる感じを出せたのが良かったと思っていて。メジャーデビュー自体もそうですし、171というサウンドをリニューアルしていく過程そのものが楽しかったんですよね。

カナ（Vo. Ba.）田村が喋ってくれた通りなんですけれど、「こういうアルバムにしよう」「こういう曲を作ってみよう」という思考よりも先に、今の自分から出てくるものを素直に作品へ落とし込めた気がしていて。田村がこれまでの171をちゃんとアルバムに連れてきてくれたからこそ、結構自由に振る舞えたなっていう。

──なるほど。では、モリモリさんはこのアルバムを振り返っていかがですか。

モリモリ（Dr.）純粋に良い作品ができたなと思います。なんというか、本当に美味しいものを食べたときって「美味しい」しか言えないじゃないですか。それと同じで、わざわざ言語化しなくても伝わる良さがこのアルバムにはあるんじゃないかなと。なおかつ、実際にツアーを回ったり、SNSの反応を見ていると、皆も同じように感じてくれていることがわかる。そういう意味で、良い1枚ができました。

ライブハウスというものを生活に近づけられる存在でありたい

──田村さんは『LIFE WORK』の雑記の中で「嫌な意味で『売れた感』みたいなものが出てしまわないか」と書かれていましたが、メジャーデビューアルバムとなる今作でも同様の悩みに対峙する必要があったのかなと感じていて。いわゆるセルアウトっぽさが出てしまうかもしれないことに対しては、どのように向き合っていったのでしょう。

田村『LIFE WORK』のときはミックスを専門の方に頼んだりもしていたんですけど、今作では基本的に僕がミックスをしていて、歌詞カードの中身やパッケージングまで、171のメンバーで分担しながら作り切ったんですよ。これまでの171のアルバムが持っていた良さやここまでやってきたことは全部盛り込みたかったし、正統な進化として表現したかったんです。もちろん、事務所に入って、メジャーに行って、環境はすごく変わったんですが、シンプルに僕たちの4枚目のアルバムとして良いものを作りたくて。メジャー1枚目のアルバムとして作ったり、アレンジした曲を4枚目のフルアルバムとして仕上げていったりするような感覚を大事にしていましたね。

──楽曲自体には挑戦の要素を組み込みつつも、マインド的にはこれまでと変わらずにインディペンデントな部分を大切にできたと。

田村そうですね。当然、前作よりもたくさんの人が関わっているんですけど、以前に比べて妥協せずに自分たちのやりたいことを詰め込めるようになったんです。あとは、僕らがどうなったらお客さんが悲しんでしまうかを考えたとき、自分たちの置かれている環境や制作、周囲との関わりを楽しんでいれば、お客さんも安心してくれるんじゃないかなとも思って。そういう意味では、僕たちが楽しんでやっていることをちゃんと伝えられたらなと考えていました。

──これまで培ってきた171の筆致やアティチュードをきちんと踏襲しようとしてきたと。その過程には「これまでの171は何だったのか」を考える必要があったと思うんですが、どのような回答を持った上で制作に臨んでいったんですか。

田村 3人で明確に意見を共有したわけじゃないんですけど、例えばカナのベースの音色がガラッと変わっていたら寂しいし、僕がファズを踏まなくなったら悲しいと思うんですよね。その上で正直に言うと、171の魅力として残しておきたいと思っていたのは、バンドをやりたくなるような曲にすること、今作で言うならライブハウスに行きたくなるような歌詞を書くことくらいなんですよね。それ以外はやっている内に自然と出てきたものというか、とにかく‘‘バンド感’’を意識しながら作っていきましたね。

──冒頭を飾る「LOST IN THE ライブハウス」はまさにそんな楽曲ですが、‘‘バンド感’’を今作の軸に置こうとした理由について伺えますか。

田村元々僕らはライブハウスについて深く語ってきたようなバンドじゃないんですけど、数年前からMCの中で今のロックシーンに関することを言うようになって。ただ、そういうMCって使い回すとよくないじゃないですか。一方で、喋っていた内容自体は色んなリスナーに対してずっと伝えていきたいことだったので、歌にして詰め込もうと。

あとは、自分たちが企画をやらせてもらっていたGROWLY（※京都GROWLY／2024年12月末に閉店した）がなくなってしまったこともあって、自然と「ライブハウス」がテーマになっていきました。とはいえ、僕だけがそういうモードになっていたわけじゃなくて、2人も同じ気持ちだったと思いますし、だからこそ171として表現できる自信もあったんです。

──実際、カナさんとモリモリさんは、ライブハウスという主題をどのように噛み砕いていったんです？

モリモリ 決して示し合わせたわけじゃないですけど、僕も田村が言ってくれた気持ちを抱いていて。僕にとってライブハウスはすごく身近なもので「皆も来た方がいいよ」って思える場所なんですが、世の中的にはライブハウスって遠い存在だと思うんですよね。でも、ライブハウスに行って好きなバンドを見るということは、生活していく上ですごくプラスになることだと感じているから、映画館や居酒屋に行くのと同じノリで遊びに来てほしい。だからこそ、ライブハウスというものを生活に近づけられる存在でありたいですし、ライブハウスに行きたくなるようなアルバムであり、バンドになれたらいいなと。

カナバンド活動を続けていく中で、ライブハウスは自分が自分であることを無条件に認めてもらえる場所やなって思うことが多くて。一方でそこにのめり込んでいった分、人間の醜い部分だったり、嫌な部分を目にしたりすることも増えたんですよね。だけど、田村の曲を聴いていると、そういう部分も含めて愛そうとしていることが伝わってくる。自分にとって、世界や人との関わり方、愛し方を教えてくれたのがライブハウスですし、人に対しての想像力を教えてくれた場所だと思っています。

矛盾そのものが僕の中での大きなテーマ

──田村さんは以前「ヒットソングシーズン」の雑記に「恋人との別れをドレスコードにしてしまうワードを入れないように細心の注意を払った」と書かれていましたが、「壊れたギター」や「快速急行」では明確に愛していた人の存在が書かれているじゃないですか。このタイミングで自分に課してきたルールを取っ払ったきっかけはなんだったのでしょう。

田村さっきカナが言っていた話とも通ずるんですが、僕は人の多面的な部分というか、相反する感情を見つけると嬉しくなるんです。「こいつも完璧な人間じゃないんだな」と思えると「矛盾していたって悪くないな」と感じるというか、「人間なんてそんなもんだよな」と実感できる。僕らはついつい相手や自分の矛盾に振り回されてしまうし、それが生きにくさや苦しさを産んだりもするからこそ、歌詞にしてみたいと思うようになって。そういう意味では、ラブソングじゃないようにも見える曲に「ヒットソングシーズン」で本気で挑戦した結果、改めて真剣にラブソングに向き合えるようになったんですよ。曲同士が矛盾してても良いというか、矛盾そのものが僕の中での大きなテーマでもあるんですよね。

──面白い！「矛盾」というテーマについてもう少し深く伺えますか？

田村それこそ昔は僕も他人のダブルスタンダードがすごく気になっていて、「3年前はこうやって言ってたのに、今はこうやんけ」と思うことが多かったんです。でも、『寄生獣』と『火の鳥』という人間の矛盾した愚かさを描いている漫画を読んで、その矛盾さえも人間の愛すべき性質なんじゃないかと思えるようになった。そこで人の愛し方に対する考え方を180℃変えてもらってからは、自分もそういう愚かさを愛したいなと思うようになって。人間という生き物が持っている性能の限界みたいな部分を許容し合えるようになった方が、この世界は楽しく生きられるんじゃないかなと。

──今の田村さんの話は、カナさんの「ライブハウスで醜さの愛し方を教えてもらった」という話ともリンクしていると感じました。田村さんは以前「自分で自分の中身を出すことが難しい」と語っていましたが、それこそ矛盾を受容するような歌詞がこのアルバムでは綴られていて、歌詞に対する意識は、どのように変わってきたと思いますか。

田村目指しているところは変わっていないんですけど、自分の考えていることを恥ずかしくない範囲で見せれるようになりましたね。あとは、あまりポエティックにしすぎたくないなとも思っていて。僕は結構ロマンチストなので、ついついカッコつけた言葉を選びがちなんですが、一歩間違えれば自己満足になってしまうじゃないですか。だからこそ、等身大のワードを使うというか、喋っている中で出てきた言葉を使いたいし、誰でもわかる感じの歌詞にしておきたい。それが僕の中に残った最後のパンクロック精神なんだと思います。

──一方で、カナさんが綴る歌詞は〈片方の翼で飛んで街を彼方に見下ろして〉（「SUPERSONIC」）、〈唸り上げる歪なエンジン気づかないフリは勿体無い〉（「plastic world」）などと概念的なものが多い印象です。

カナそれこそ自分の中から自然に出てくる言葉を選んではいるんですけれど、詩が好きなこともあって、何かの象徴として言葉を使うのが好きなんかなと。田村は世界との繋がりや生活のことだったり、外側に矢印が向いていると思うんですが、自分はどっちかというと矢印が内側に向いている。そういう意味では、歌詞を書き終えた後に精神分析みたいに全体を読み解いていくのが好きなんです。例えば「SUPERSONIC」や「plastic world」には翼や羽みたいなワードが多いので、これはどういうテーマなんだろうって考えてみたり。書いているときは意識しているわけじゃないんですけど、結果的にその時々のテーマに基づいた言葉が出てきているんです。

田村一般化が上手いよな。

カナ好きやな。共通項を見つけて、別々のものをひとつの軸に引っ張っていくというか。普段からそういうことを頭の中でやっているから、それが詩にも表れていますね。

──田村さんとカナさんはそれぞれ違うタイプのソングライターだと感じたのですが、モリモリさんはお二人の歌詞をどのように捉えていらっしゃいますか。

モリモリ 2人の言う通り、田村はロジカルに作っていくタイプで、カナちゃんは「考えるな、感じろ」的なタイプだと思うんですが、2人ともよく考えた上で、作品に自分の思いを落とし込んでいると感じています。だからこそ、楽曲も個別具体的なものになっているというか、それぞれの中をしっかりと通ったアウトプットになっている。歌詞の内容がどれほどキャッチーだとしても、あまりに大衆性が強すぎると「違うかも」と思うことがあるじゃないですか。でも、2人の曲は最後の最後まで考えられたものだから、誰かにとっての欠かせない作品になれるんじゃないかなって思います。

──田村さんとカナさんのパーソナルな心情が綴られているからこそ、171の音楽は深くまで根付いていくと。

モリモリ 斜に構えた性格なので、「こういう人に聴いて欲しい」「こういう人に向けて作りました」みたいな曲を聴いて自分が合ってはまらなかった時にその曲とすごく距離が開いた感じがして、個人的に求められているものに合わせすぎたものを供給すると、アート活動は魅力を失ってしまう気がするんですよ。もちろん2人はファンのことも考えているけれど、あくまでも2人の想いに軸があった上で、それをプレイングに反映しているから、171として一貫した作品を生み出すことができる。誰かのためだけじゃなくて、本質的には自分がやりたいものをやっているからこその魅力が2人の楽曲にはあるだと思います。

【INFORMATION】

171

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「矛盾さえも人間の愛すべき性質なんじゃないか」──国道171号を飛び出した3ピースバンド・171が語る、ライブハウスと人間の愛し方

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